Dans cette œuvre, l’artiste japonaise Kumi Yamashita, basée à New York, utilise des cubes en bois pour créer des sculptures d’ombre et de lumière. On peut voir son travail ici.

Quelques autres de ses pièces :

Images : Kumi Yamashita

Source : UFUNK

Certains détails sont particulièrement amusants, comme le visage déconfis de cet homme en route vers l’espace, la paupière fermée d’une girafe humant le vent, assise dans une voiture, ou l’air perplexe de ces animaux encastrés les uns dans les autres.

D’autres sembent relever de l’illustration en en reprenant certains codes graphiques.

Les choix de couleurs ne sont pas mal non plus…

On trouve ces puzzles chez Bass et Bass rue de l’Abbé-de-l’épée à Paris.

L’exposition « Crumb, de l’underground à la Genèse » se tient au Musée d’art moderne de la ville de Paris du 13 avril au 19 août 2012.

Cette citation se trouve sur son site. On a parlé du dessin animé de Winsor McCay ici.

Je suis d’abord tombée sur ce jeu des 7 familles typographiques, réalisé en 2010 par le Bureau 205 : les polices linéales, humanes, réales, etc., se subdivisent en Garamond, Helvetica, Mistral… C’est une variante à 9 familles, avec quelques subtilités dans les règles, mais là n’est pas vraiment l’intérêt de l’objet. Il s’agit plutôt d’une histoire de la typographie en cartes, très informée, avec une belle réalisation graphique.

Images © Bureau 205

Ensuite, j’ai fait quelques collages grâce à une application pour i-pad destinée aux enfants, conçue par Pepillo. Des formes géométriques colorées – des « gommettes numériques » comme le dit le site – que l’on manipule du bout du doigt pour réaliser des puzzles ou des compositions libres. C’est très simple et bien conçu. Une deuxième application devrait bientôt paraître.

Images © Pepillo

Enfin, les éditions Volumiques étaient présentes, en la personne d’Etienne Mineur. En famille, ils montaient manuellement les petites montgolfières destinées à la version i-phone de leur Balloon, en première présentation sur ce salon. Les Volumiques sont par ailleurs très chargés par de nombreuses sorties, notamment chez Hasbro, avec qui ils entament une collaboration.

Quelques images en plus :

Photos : typy

Voici quelques autres de leurs réalisations, où l’on devine leur fascination pour les automates, les maquettes et les aires de jeu.

« The Social Playgound invite les visiteurs à faire rouler des œufs sur sept structures uniques qui représentent les différentes communautés avec lesquelles FACT collabore. »

Dans son « manifeste », l’agence revendique son goût pour les nouvelles technologies, le conceptuel, la fonctionnalité et l’ordinaire. « Nous pensons que la pression que rencontre les designers ne porte pas sur le fait d’être différent, mais de se réconcilier avec la normalité ou les sujets quotidiens qui nous affectent tous. La plupart des architectes contemporains ne tiennent pas compte de la normalité. On craint que si l’architecture devenait normale, elle cesserait d’exister. Par conséquent, la plupart des architectes ne parviennent pas à fournir des modèles qui puisse servir dans des bâtiments ordinaires, qui ne sont pas destinés à être des icônes. »

Source : Deezen

J’ai reçu récemment d’un ami cette photographie d’une œuvre d’Annette Messager, « Faire des cartes de France », qui fait partie des collections du LaM de Villeneuve d’Ascq. En ce jour de premier tour de l’élection présidentielle, la chose me semble assez appropriée. Voici un extrait de la présentation du musée :

« Faire des cartes de France repose sur un jeu de mots amusant et pervers. L’expression servait, durant l’Ancien Régime, de litote pour évoquer les premières pollutions nocturnes du souverain qui assuraient ainsi au pouvoir son avenir. A Versailles, les draps du roi faisaient l’objet d’analyse de la part de certains voyants et conseillers qui essayaient de déchiffrer dans ces motifs du hasard l’avenir politique du pays. L’interprétation de ces souillures royales a été comprise comme l’ancêtre parodique des premières lectures iconologiques. Évoquant autrefois, par le biais de l’intime, le destin national, l’expression, désormais tombée dans le langage populaire, illustre ce passage de l’état d’enfance à l’adolescence ; mettant des mots sur cette expérience de l’abandon – et donc de la perte et de la mort – qui caractérise les étapes essentielles de la vie humaine. »

J’essayais récemment de dénombrer les artistes ayant créé ou détourné des cartes, et il y en a vraiment beaucoup. La dernière que j’ai pu voir était une installation intitulée Trampolin 1 2 3 4 5, de l’artiste chinoise Shen Yuan, à la Cité de l’immigration. On y voyait des cartes de Chinatown brodées sur des couvre-lit – une autre collusion entre une représentation nationale et la sphère de l’intimité.

On a déjà parlé d’Annette Messager ici.

Photo : Philip Bernard. © Adagp Paris, 2010

Pour construire votre Tour Eiffel en papier, c’est ici.

Source : Swiss Miss

Images : © Karolin Schnoor

Par Geoffrey Dorne (merci Pierre-Olivier)

Dominique Ehrhard est peintre, illustrateur et auteur de très nombreux jeux de société, dont Méditerranée, Condottiere, Sylla, Marrakech et, plus récemment, Water Lily ou Tschak. Après des études d’arts plastiques à Strasbourg et un long séjour au Maroc, il poursuit aujourd’hui ses activités entre l’édition, le monde du jeu et celui des galeries. Il nous a expliqué que pour lui, « la spécificité du jeu, c’est de proposer une forme qui n’est pas définitive et aboutie : une forme ouverte, qui va se développer, se transformer grâce à des participants ultérieurs, les joueurs… Le jeu, c’est d’abord une idée, qui peut s’incarner dans des formes différentes sans être modifiée fondamentalement. » Il a répondu à nos questions lors du Festival international des jeux de Cannes en février dernier, et c’était une belle rencontre.

Vous êtes peintre, auteur de près de soixante jeux et illustrateur. Quelle est votre activité principale ?

Ces trois activités ne sont pas vécues de la même façon, bien qu’elles concentrent depuis toujours l’essentiel de mes préoccupations. Mais il y a une frustration dans l’unicité de l’œuvre c’est pourquoi j’aime beaucoup travailler dans le milieu de l’édition qui me permet de toucher un public beaucoup plus vaste. L’édition enfant me permet de concilier mon goût pour l’image, le travail sur le concept même de livres. L’illustration traditionnelle qui consiste à s’adapter à l’univers d’un écrivain n’est pas vraiment ce que je préfère, il s’agit plutôt de concepts originaux basés sur des illustrations que j’agrémente d’un peu de textes. L’illustration de jeux est encore un domaine différent puisque la plupart du temps je suis l’auteur du jeu et je considère que l’illustration doit avant tout être mise au service du jeu. Si le type d’image que je suis capable de réaliser pour un jeu ne correspond pas à ce que je pense être le plus adapté, je préfère que ce soit quelqu’un d’autre qui le fasse. Il m’est aussi arrivé rarement d’illustrer le jeu d’un autre auteur, mais c’est une activité tout à fait marginale dans ma production.

Vous avez récemment signé l’illustration de Dixit Jinx (Libellud), pouvez-vous en parler ?

Jinx, c’est une histoire particulière. L’auteur espagnol, Josep Maria Allué, m’a présenté ce jeu, pour avoir mon avis en tant qu’auteur. Il partait de petits dessins gribouillés, et je lui ai dit que cela marcherait vraiment bien, à mon avis, avec des graphismes un peu pop, simplifiés, mi-abstrait mi-figuratif. Il ne voyait pas trop ce que je voulais dire et j’ai commencé à griffonner deux ou trois images. L’éditeur, Régis Bonnessée, de Libellud, était présent et m’a dit : « si tu l’illustres, j’édite le jeu ». Ce n’est pas mon style de peinture du tout, mais pour moi c’est une forme de délassement de peintres, le « BA Ba » de la peinture, comme faire ses gammes : couleurs, valeurs, graphisme, composition… Il y a également de nombreuses références à des univers graphiques que j’admire.

Quelles sont ces références ?

Elles ne sont pas directes, ce sont des clins d’œil – l’idée du jeu est justement de faire des images ambiguës. Il y a certaines choses qu’on reconnaît directement comme les bonshommes Kodak, des gravures et des peintures de David Hockney, de la figuration narrative, des mots emprunts au Pop Art. Il y a aussi des clins d’œil immodestes à mes propres tableaux, à la BD, à l’illustration pour enfant, comme à Bruno Munari qui a lui-même œuvré entre le graphisme et le jeu.

"Dixit Jinx" de Josep M. Alué (éditions Libellud)

L’illustration du jeu Boomerang est, au niveau de la touche et de la matière, plus proche de ce que je fais en peinture. J’ai également illustré un jeu de Reiner Knizia, Medici, à la demande de Philippe des Pallières. Il m’avait proposé de réaliser une illustration jeu comme si c’était une peinture. Pour faire le test supérieur, les deux tableaux qui ont servi au plateau et la couverture de la boîte ont été exposés dans une galerie sans préciser de quoi il s’agissait, elles ont été vendues comme les autres tableaux. Jinx est très différent, ce sont des archétypes, des schèmes. Comme l’architecte Aldo Rossi lorsqu’il remplit ses carnets de maisons archétypales à partir d’une série de formes élémentaires.

"Boomerang" de Dominique Ehrhard et Michel Lalet (éditions Lui-même)

Toys don’t cry s’intéresse aux rapports entre l’art et les jeux. Quels sont les relations entre ces deux sphères, de votre point de vue d’artiste et d’auteur de jeux ?

Il y a quelques années, j’animais une rubrique dans « Jeux sur un plateau ». J’avais pensé écrire une série d’articles sur les rapports entre l’art et le jeu, mais je n’ai jamais trouvé le temps de les écrire. Ce qui est amusant, c’est que quand le monde de l’art s’accapare du jeu, c’est toujours sous une forme caricaturale, celle du jeu de l’oie, ou des échecs… Et quand le monde du jeu s’accapare le monde de l’art, c’est le plus souvent sous la forme du marché boursier, comme dans Art Moderne de Reiner Knizia. On n’est jamais, dans un cas comme dans l’autre, dans ce qui fait la spécificité de chaque domaine. Il y a une espèce de méconnaissance totale, et on n’adopte que la forme extérieure et caricaturale de la chose. On choisit des formes arriérées et rétrogrades : le Monopoly, le jeu de l’oie… Des schémas qui dans le monde du jeu sont dépassés. Par exemple, quand Ben fait un jeu, c’est un jeu de l’oie, et ça n’a aucun intérêt ludique. Mais c’est peut-être nécessaire pour que le public l’identifie à l’idée qu’il se fait du jeu.

Par contre, il y a des démarches passionnantes dans le domaine artistique qui s’approchent véritablement d’une activité ludique, mais en général, paradoxalement, les œuvres qui en sont issues ne se matérialisent pas sous la forme triviale de quelque chose qui ressemblerait extérieurement à un jeu de société. Le ludique se manifeste alors dans le contenu ou la démarche, de façon plus ou moins intrinsèque, ou tout à fait explicite comme chez Marcel Duchamp, pour donner un exemple connu. Ce n’est d’ailleurs pas étonnant que Duchamp abandonne l’art pour se consacrer aux échecs, presque exclusivement, et devenir un grand maître d’échecs. En littérature, il y a Pérec, l’Oulipo… mais ce n’est jamais quelque chose qui prétend se matérialiser sous forme de jeux. J’ai souvent vu de beaux objets liés au jeu dans l’art, mais pas ce qui fait l’intérêt de la chose ludique.

« Medici » de Reiner Knizia (éditions Lui-même)

Quel est « l’intérêt de la chose ludique » ?

C’est justement de proposer une forme de pensée qui n’est pas réductible à une autre forme d’expression artistique. Je peins, j’ai travaillé comme scénographe au théâtre, je travaille beaucoup sur des concepts de livres pour les enfants (toujours de projets un peu atypiques comme des livres de coloriage, de montage, de découpage) et sur des jeux. Quand j’ai un projet, je le matérialise sous une forme ou une autre en fonction de la spécificité du projet.

Quelle est la spécificité du jeu ? C’est de proposer une forme qui n’est pas définitive et aboutie : une forme ouverte, qui va se développer, se transformer grâce à des participants ultérieurs, les joueurs. Ces joueurs, ce public vont lui donner sa forme définitive, mais également provisoire, parce qu’elle ne dure que le temps d’une partie. Un tableau, c’est différent, il trouve sa forme définitive ou du moins essaye de la trouver par une décision unilatérale de l’artiste et le public reste relativement passif, le plus souvent réduit au rôle de simple spectateur

L’autre spécificité du jeu, c’est qu’il est à mon avis la forme d’expression la plus pure, parce qu’indépendante de son expression matérielle, pure idée qui peut s’incarner dans des formes différentes sans être modifié fondamentalement. De toutes les œuvres de l’esprit, c’est certainement le mode d’expression le plus indépendant de la forme. Elle est contingente, peut changer : des rééditions du même jeu sortent sous des formes ou des formats différents, le jeu reste le même. Une peinture n’existe que par sa forme, même s’il y a une idée. Les deux sont intrinsèquement liés. En littérature et en musique aussi. Pas de forme, pas d’expression.

Je montrais récemment un jeu à un éditeur, et comme cela arrive parfois il me dit : « ah c’est dommage, mais il existe déjà un jeu identique… » Il m’explique le jeu en question auquel le mien ressemblait et effectivement c’était le même jeu. Pourquoi ? Parce que ce n’est précisément qu’une idée. En architecture, il suffit que l’on modifie un angle, une surface, un matériau pour que le bâtiment soit différent. En peinture, en musique, poésie également. De ce fait dans le monde du jeu, assez vite, les choses tournent un peu en rond et les possibilités de création sont probablement plus limitées. Mais c’est plutôt excitant de créer quelque chose qui ne soit qu’une idée, et de la voir ensuite se disséminer sur la planète.

J’ai tendance à imaginer ces différences entre mes trois activités principales : une peinture peut être bonne sur une idée idiote, la peinture est pour moi essentiellement de la matière ; l’édition c’est partagé, il y a un concept, mais si le concept n’est pas bon, le livre ne sera pas bon. Le jeu c’est l’inverse, si l’idée n’est pas bonne, c’est fini !

Et donc, dans la mesure où le monde de l’art mime seulement la forme du jeu, il n’est pas dans l’idée. Les propositions artistiques intéressantes en termes ludiques sont justement celles qui ne s’intéressent pas à la forme extérieure du jeu, plateau, dés, pions…

Que faites-vous des schémas participatifs dans le monde de l’art ? Ce sont des schémas ludiques, mais sans référence explicite au jeu.

C’est précisément ce que je veux dire. Ceux qui travaillent au plus proche de l’esprit ludique ne sont pas ceux qui le font sous l’angle de l’objet jeu de société. Dans le champ de l’art contemporain, la plupart des expériences pertinentes et intéressantes sont effectivement assez proches de l’expérience ludique. C’est un paradoxe : dans le monde artistique, ce qui est estampillé « jeu » est ce qui l’est le moins, mais tout le reste pratiquement l’est – tout le champ de l’art conceptuel, installationiste, et évidemment participatif…

Si un jeu, c’est d’abord une idée, quel est pour vous l’enjeu de la forme des jeux ? Est-ce qu’on n’a pas quand même envie d’amener quelque chose à ce niveau ?

Bien sûr. Lorsque je dis qu’un jeu n’est qu’une pure idée, je parle du point de vue d’auteur. Pour le public, les joueurs et moi-même lorsque je joue au jeu d’un autre auteur, la matérialisation de ce jeu, son aspect visuel, ses qualités graphiques font partie intégrante et sont essentielles au vécu de ce jeu. Dans le milieu du jeu, il y a les cercles habituels : les geeks, le moyen milieu et le grand public. Dans le milieu des geeks, le discours dominant c’est « on s’en fiche du graphisme, ce qui compte, c’est l’intérêt du jeu ». Pour le grand public, je pense, c’est l’inverse : il entre dans le jeu par la forme. Je pense que la madeleine de Proust de l’expérience ludique est liée à la forme. La résonance dans le public, les souvenirs que l’on a des jeux sont liés plus à la forme qu’au jeu lui-même : par exemple, on se rappelle les petites maisons du Monopoly… On ne joue pas aux échecs de la même façon avec un petit jeu en plastique et avec de belles pièces en bois.

Qu’est-ce qu’un beau jeu ? C’est une vraie question, qui est loin de faire consensus auprès des éditeurs, la plupart n’ont aucune culture graphique et confondent beau jeu et belles images. Et encore, on pourrait débattre longtemps de ce qu’est une belle image. Pour moi, un beau jeu ne se réduit certainement pas à de belles illustrations. Cela aurait plus à voir avec la question de la fonctionnalité telle qu’elle a été élaborée par les grands designers du modernisme. Est beau ce qui est ergonomique et va dans le sens du jeu. A priori, un jeu est laid s’il ne participe pas de cette facilité, de cette ergonomie, et non pas parce qu’il est mal dessiné, car ce sont alors des questions de goûts. Pour moi un beau jeu, ce n’est pas une question d’image. C’est pourquoi je pense participer pleinement à l’élaboration graphique de mes jeux mêmes si je ne réalise pas l’illustration, mais justement en choisissant de confier le travail à un autre illustrateur, parce que j’ai une idée précise de la forme et que je veux que cette forme soit optimale. Un beau jeu pour moi, c’est une adéquation entre ces deux choses. Ceci évidemment dans l’idéal d’un monde idéal où les éditeurs me laisseraient carte blanche !

Quelle est pour vous la différence entre le mode de création d’un livre pour la jeunesse et d’un jeu ?

Dans le livre, on est dans de l’image figée. On a un émetteur, illustrateur, et un récepteur, le lecteur, et le récepteur accepte ce qu’il reçoit et ne peut pas le changer. Dans le jeu, le récepteur participe de la construction de l’objet. La différence en tant qu’auteur, c’est que quand je réalise un livre, je me préoccupe assez peu du public auquel il s’adresse. L’important c’est que le livre soit juste, il trouvera son public ensuite. Au départ, la création d’un jeu n’est pas très différente, le jeu existe pour lui-même, et on définit ensuite le public auquel il pourra s’adresser ce qui est différent s’est qu’assez vite on est obligé de définir ce public pour tenir compte du fait qu’il va intervenir activement.

En ce qui concerne mes livres pour la jeunesse, je suis assez mal placé pour en parler du point de vue de l’illustration puisqu’il s’agit essentiellement de livres d’activités, à découper, à construire. Je me sens plutôt du côté de l’architecture ou de la sculpture. C’est le passage du plan à la tridimensionnalité qui me passionne. C’est peut-être lié au fait que j’ai poursuivi des études d’architecture pendant quelques années parallèlement à mes études aux Beaux-arts.

Je pense que c’est plutôt dans mes tableaux qu’on peut retrouver des éléments ludiques. Le musée de la carte à jouer d’Issy-les-Moulineaux avait consacré une exposition à mon travail il y a quelques années en présentant des peintures, des jeux, des illustrations de jeux, des maquettes, des prototypes. Erwan Beucher se posait la question, dans le catalogue de l’exposition, de la nature de ce rapport entre mon travail pictural et ludique. Sa conclusion c’est que ces rapports, s’ils existaient, n’étaient pas forcément de l’ordre du visible ou de l’image. C’était plus des questions de métamorphoses, la possibilité laissée au spectateur d’intervenir mentalement, parfois même physiquement pour transformer les tableaux, imaginer que le tableau qu’il voyait masquait des réalités différentes de celles qui émergeaient à la surface. Par exemple des triptyques dont on pouvait changer l’ordre, des retables qu’on ouvrait et qu’on fermait en changeant l’image qui apparaissait. Cette dimension participative m’avait fasciné dans l’œuvre d’Öyvind Fahlström, un artiste suédois qui a réalisé, dans les années 1960-70 de nombreuses œuvres ouvertes, très ludiques, tout comme m’avait passionné un des premiers livres d’Umberto Eco qui s’appelait précisément « L’œuvre ouverte »

« Medici » de Reiner Knizia (éditions Lui-même)

Quelle est l’image du monde de l’art dans les jeux de société ?

Il y a des jeux comme Art Moderne, La Vente aux Enchères… La plupart du temps, ce serait remplacé par du steak haché, ce serait pareil. Très peu de jeux jouent sur la spécificité de l’acte créatif artistique. Ou alors ce sont des jeux de culture générale, de questions/réponses, jeux insupportables où il s’agit de battre l’adversaire en démontrant sa soi-disant supériorité intellectuelle. Soit on sait où on ne sait pas, je ne vois pas ce qu’il y a de ludique là-dedans.

Pour moi, le jeu qui serait le plus proche de l’activité créatrice, c’est certainement l’ancêtre Pictionnary et ses déclinaisons plus modernes comme Objets Trouvés (Lui-Même) ou le récemment sorti Pix (Gameworks). Mais c’est certainement Objets Trouvés qui va le plus loin dans l’analogie avec l’acte créatif, un des jeux les plus poétiques qui soit pour moi. Djinx est davantage lié à l’interprétation, l’analyse de tableau, à la question « qu’est-ce que je vois dedans » qu’à la création, en tout cas picturale, littéraire peut-être davantage.

Quelle est l’image véhiculée par un artiste qui fait des jeux dans le monde de l’art, et inversement ?

On est dans une dissymétrie totale et cela renvoie au statut sociétal de l’un et de l’autre. Pour le dire grosso modo, dans le monde de l’art, il est malvenu, du moins en France, d’avouer qu’on crée des jeux. Aussitôt vous passez pour un farceur sympathique, mais certainement plus pour un artiste authentique. C’est assez simple, lorsque j’évolue dans le monde artistique je n’évoque que très rarement mes créations ludiques, car systématiquement, cela décrédibilise ce que je fais en peinture. En France, on est dans ces catégories. Dans le domaine du jeu, c’est un peu l’inverse : mon statut d’artiste me crédite d’un petit plus, mais avec cette connotation un peu intellectuelle qui laisserait supposer un créateur incapable d’inventer des jeux rigolos.

Bref, les deux domaines me semblent relativement hermétiques l’un à l’autre et c’est vraiment dommage. Je me souviens d’une exposition où le galeriste avait insisté pour présenter en même temps différentes facettes de mes Créations. Il avait exposé en même temps des jeux, des livres avec mes peintures. Il n’y avait eu aucune vente, parce que les gens ont considéré que la peinture était un passe-temps ! Le milieu littéraire entretient un mépris encore plus profond pour le monde du jeu. Quand j’étais étudiant aux Beaux-arts mes condisciples ne comprenaient pas que je puisse « perdre mon temps » à jouer aux jeux de société.

Pourtant, il y a un continuum évident entre ces différentes activités. Je m’intéresse aux biographies d’artistes, et je me rends compte qu’assez systématiquement les artistes, les écrivains entretiennent un jardin secret ludique, comme des maquettes, des marionnettes… Je viens de lire un article sur Boris Vian et j’ai découvert qu’il consacrait une des deux pièces de son appartement à un atelier de maquettes d’avion et qu’il y consacrait un temps et un sérieux importants. Le fait que la création artistique a à voir avec d’autres formes d’expression qualifiées de mineures, les artistes l’expérimentent tout le temps, sans se poser la question des frontières.

Le site de Dominique Ehrhard est ici. Un intéressant entretien croisé avec Hervé Marly (l’auteur de Skull & Roses) est lisible ici.

Images : Dominique Ehrhard et Toys don’t cry (pour les photos de Dixit Jinx)

Tous nos remerciements à Dominique Ehrhard.